Comment répondre à cette carte blanche proposée par Laurent Jourquin pour V2Vingt ?
J’ai la conviction qu’en art, l’égoïsme peut rencontrer les envies d’autrui. Le travail de Pierre Gerard me fascine depuis de nombreuses années. En tant que collectionneur, il est l’un de mes premiers artistes. Cet intérêt se poursuit depuis plus de vingt ans. Par cette exposition, j’avais envie de montrer la richesse, mais pourquoi pas aussi la complexité de cette œuvre picturale, sculpturale et sonore dont l’un des axes majeurs est la poésie du presque rien.
Comme souvent chez Pierre Gerard, le titre de l’exposition intrigue. Il provient d’une discussion, d’un échange informel sans appareillage savant alors qu’il semble provenir d’une conversation de philosophes exégètes de la pensée du maître hollandais. Comme souvent chez Pierre Gerard, le titre nous laisse en suspend. On ne sait au sujet de quoi Spinoza est lucide. Ni, d’ailleurs, ce qu’est être lucide. Et surtout comme pour le reste, il croise culture savante et quotidienneté.
Le travail de Pierre Gerard est apparu sur la scène belge au travers de petites peintures figuratives dans les années 1990. L’artiste y représentait des objets ou lieux à la banalité paradoxalement intrigante. Nombre d’entre eux possédaient un écho lointain avec certaines pratiques d’artistes contemporains : une enseigne de pharmacien renvoyant à la question de l’urgence chez Joseph Beuys. Pour autant aucune nécessité à réviser toutes les publications d’une bibliothèque spécialisée, les tableaux possédant un charme envoutant.
Par la suite, il développa son intérêt pour les objets en réalisant des sculptures alliant patience et poésie, incluant différents éléments empruntés au réel. S’en dégage une série de matériaux régulièrement utilisés : bois, feutre, pâte à modeler, cuir, pierre, plâtre … Il coupe, ponce, accumule, fait dialoguer ou oppose des formes, des matières dans un savant mélange dont l’équilibre esthétique peut mettre des années à s’établir au fil des reconfigurations.
Le plus souvent elles sont dans des vitrines ou directement protégées par des boites issues directement du vocabulaire de notre réel puisqu’on les trouve dans nombre de nos cuisines. Sur des tables de tapissier vient se poser une sélection de sa production sculpturale de 1990 à nos jours.
Après une période de près de 10 ans sans production picturale, Pierre Gerard a recommencé à peindre. Conservant une pratique d’huile sur carton, il puise ses sujets dans différents territoires: cinéma principalement mais aussi histoire de l’art ou photographie de mode. Chaque image est volée (c’est le titre générique de ses peintures). Mais la capacité de l’artiste à leur donner une forme picturale par la maîtrise et la variabilité de la gestion de ses touches est proprement vertigineuse. L’exposition propose deux peintures qui proviennent de l’univers cinématographique. L’une, d’un film de Bruno Dumont (son unique film dont l’intrigue se déroule aux Etats-Unis) l’autre, d’un film Japonais (on l’identifie par la nature des passages piétons). Ce tableau a comme particularité d’être le plus grand actuellement produit par l’artiste mais aussi d’être le premier a intégrer une dimension surréaliste. En effet, le visage du passant est remplacé par une énorme tortue. Cette particularité le relie à une grande tradition belge. Cette même tradition surréaliste qui très souvent met en boîte.
Je ne sais pas si Spinoza est bien lucide mais je sais que le mystère des œuvres de Pierre Gerard gagne à être observé avec une attention toute particulière qui correspond parfaitement à l’espace intime et singulièrement presque spirituel de V2Vingt.
L’exposition est réalisée avec la complicité de LMNO qui représente le travail de Pierre Gerard.
Christophe Veys
Finissage: samedi 12 Mai 2018. 16h-19h00
Une proposition curatoriale de Roman Moriceau
Avec le soutien de la galerie Archiraar.com
Lors de l’édition 2017 de Poppositions, mon attention avait été retenue par une fascinante pièce sonore de Roman Moriceau : des chants d’oiseaux…de simples chants d’oiseaux qui plongeaient la foire dans une atmosphère de détente, de bien être et de zenitude absolue, comme proposée par un guru de la psychologie positive vous vendant une reconnexion numérique avec la nature…
J’ai donc demandé à Alexis et Octave, fondateurs de la galerie Archiraar, ce que signifiait cette pièce. La réponse fut aussi violente que les chants étaient séduisants : « Ce sont des chants d’espèces d’oiseaux disparues de la planète ».
Quand j’ai fondé le V2Vingt, j’avais déjà cette oeuvre en tête et le désir de l’isoler dans cet espace personnel s’est rapidement fait sentir.
J’ai dès lors contacté Archiraar qui m’a présenté l’artiste, qui a accepté ma proposition.
L’exposition commence donc avec une carte blanche jouée par Roman en invitant trois autres créateurs à se joindre à lui : Anne-Charlotte Finel, Jean-Baptiste Bouvet et Ella Littwitz.
Et voilà comment je perçois les affinités qui naissent de la rencontre de ces quatre personnalités distinctes :
Anne-Charlotte Finel capte des moments troubles ou l’environnement semble incertain, voire surréel. L’interrogation s’arrête sur l’outil même de la perception dont dispose notre corps, en fonction du moment et de l’environnement perçu. Plus concrètement, les images et vidéos d’Anne-Charlotte sont prises au lever d’un jour, à la périphérie d’une ville. Elle sont diluées par le grain de la prise de vue à une heure ou la lumière ne permet pas à l’objectif (ni à l’oeil) d’être optimal.
Jean-Baptiste Bouvet Travaille sur l’environnement de l’espace d’exposition. Comme Finel, il se situe à la frontière de quelque-chose : à la frontière du monochrome qui n’en est pas tout à fait un, à la frontière d’une porte qui hésite entre l’imitation, l’artefact ou la peinture qui s’affirme pour elle-même. Comme Finel et Moriceau, il semble davantage attaché à la perception qu’à la symbolique. Il travaille l’information à son degré minimal.
Ella Littwitz est, quant à elle, bien plus attachée à la symbolique et son travail traite l’information comme le symptôme d’une réalité identitaire à comprendre. Artiste israélienne, Littwiz questionne la présence politique, économique, géographique et géologique d’une frontière autant que sa réalité psychologique. Les matériaux minutieusement choisis renvoient à des réalités historiques qui parlent des fondements d’un monde éternellement en construction.
Roman Moriceau développe un travail a priori séduisant que je qualifierais aussi de perceptuel. Mais la quasi totalité de ses oeuvres repose sur une contradiction entre la matière et l’image. La surface est souvent lisse, attrayante et parfois proche du glamour. Rien ne peut salir l’idée qu’on s’en fait tant qu’on se tient à l’abri de l’information : seule l’ignorance nous sauve. Toute personne demandant à connaître le processus de création s’expose à voir ses illusions s’effondrer. Et c’est peut-être tout le fond de la démarche…
L’ensemble est un équilibre entre la mélancolie et le mystère, ou entre le doute et la révolte. On est forcément à la frontière entre des choses qui refusent de se laisser définir. On est ‘entre’…et on va y rester.
Laurent Jourquin
Samedi 28 avril 15h – 19h / Vendredi 4 mai 18h – 21h / Samedi 12 mai 16h – 19h
Et sur rendez-vous.